Considerado uno de los directores más importantes, originales y rompedores de la historia del cine, tuvo que realizar gran parte de su obra entre México y Francia debido al exilio que sufrió por la guerra civil española y la posterior dictadura Franquista. Defensor del surrealismo, de la lucha social y crítico ante la hipocresía y la miseria humana. En la Filmografía básica de hoy: Luis Buñuel.

Los olvidados (1950)

El Jaibo es un delincuente juvenil que se ha escapado del correccional en el que estaba encerrado. Ha vuelto a la pobre barriada en la que vivía, y junto a sus antiguos compañeros vuelve a delinquir. Además, Jaibo busca vengarse de Julián, el chivato por el que fue encerrado.

Los olvidados cuenta la trágica historia de unos niños que viven en un barrio marginal de México. Siguiendo el tono del neorrealismo italiano de la época, Buñuel propone un tono realista muy cercano al documental, pero impregna el metraje de ciertos elementos surrealistas. El director realizó una ardua investigación de campo que duró seis meses en los que profundizó en las condiciones de vida de los barrios más pobres de la capital mexicana para poder plasmarlos de forma fidedigna. El Jaibo es un peligroso delincuente que se ha escapado del reformatorio donde estaba encerrado. Junto a sus antiguos compañeros con los que vive en un barrio pobre de México, decide seguir delinquiendo. Roban a un invidente, a un hombre sin piernas y se aprovechan de cualquier persona que se cruce en su camino. Días después de huir del reformatorio, el Jaibo le pide a Pedro que le acompañe para ver a Julián, del que sospecha que habló con las autoridades para que lo detuvieran. Aquí arrancará una espiral de terribles acontecimientos. Los olvidados está plagado de elementos cristianos y otras obsesiones que se repiten a lo largo de la filmografía de Buñuel: la ausencia del padre, el complejo de Edipo, la orfandad, la pobreza, la culpabilidad, el remordimiento, el perdón, la muerte, los sueños… El film ofrece una visión compasiva y pesimista de la miseria y la criminalidad, y a su vez, contradice el espíritu de nobleza que habitualmente se le atribuye de forma irracional a la pobreza. La obra de culto solo consiguió aguantar en cartelera tres días antes de recibir una lluvia de malas críticas que provocaron su retirada. México se opuso a la imagen que mostraba el director del país y se pidió públicamente su expulsión, algo imposible al haber conseguido la doble nacionalidad. Pese a las polémicas, el espíritu reivindicativo e inconformista de Buñuel se pudo mostrar de nuevo en la gran pantalla. Al llegar al festival de Cannes y obtener el premio a la mejor dirección, la obra fue reestrenada en los cines de México, donde posteriormente obtuvo 11 Arieles, el mayor galardón de la industria cinematográfica mexicana. Octavio Paz, el poeta ganador del Premio Nobel de Literatura y del Premio Cervantes, describió la película en el Festival de Cannes de 1951 con estas acertadas palabras: «El valor moral de Los Olvidados no tiene relación alguna con la propaganda. El arte no tiene relación alguna con la propaganda. El arte, cuando es libre, es testimonio, conciencia». Aunque muchas veces escueza, el cine como arte, ha de generar polémica, reflexión y debate a su paso.

Viridiana (1961)

Don Jaime, un viejo adinerado, vive solo en su hacienda. La muerte de su esposa ocurrida el día de su boda ha marcado su existencia. Temeroso de pasar sus últimos días en soledad, decide invitar a su sobrina Viridiana, novicia en un convento, a sus aposentos. El gran parecido con su mujer trastocará la mente de don Jaime.

Viridiana es la única película española que ha ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes (premio ex-aequo junto a Una larga ausencia de Henri Colpi). El film, como el resto de películas del maestro Buñuel, contiene los elementos tan representativos de su cine: escenas surrealistas cargadas de simbolismo, momentos oníricos, personajes con comportamientos extremos y crítica a la religión y a las clases sociales más pudientes. Basada en la novela Halma de Benito Pérez Galdós, la obra supone un mazazo a la caridad, a la beneficencia, al idealismo cristiano (en contraste con la realidad) y en cierto modo, a la naturaleza humana, mostrando una visión destructiva y egoísta de ésta, incluso en los momentos en que la bondad abraza a los más desfavorecidos. Viridiana está a punto de tomar los hábitos, pero debe abandonar el convento debido a la invitación de su tío don Jaime, quien ha costeado sus estudios en el convento. El gran parecido de Viridiana con la esposa fallecida de don Jaime trastoca la mente del adinerado hombre, quien sueña con poseerla y pasar sus últimos días junto a ella. Viridiana no cede ante las tentaciones de su tío, se aferra a sus creencias cristianas y decide volcarse en los principios de la caridad, dando especial atención a los maltrechos vagabundos del pueblo. En el reparto destacan tres nombres: Silvia Pinal como la bondadosa Viridiana, Fernando Rey como el sufrido señor de la Hacienda y Francisco Rabal como el egoísta hijo del adinerado señor, sin desmerecer a todo el reparto que encarna a los vagabundos. La cantidad de escenas cargadas de simbolismos son apabullantes: la novicia agarrando las ubres de una vaca, el crucifijo que se convierte en navaja, el perro arrastrado por una carreta, la corona de espinas en el equipaje… pero por encima de todas brilla la recreación de La última cena de Leonardo Da Vinci. En un momento de pecaminosa liberación, los vagabundos acogidos por Viridiana aprovechan la ausencia de los dueños de la casa para organizar una gran comilona, y al tomarse una fotografía, posan exactamente como Jesús y los doce apóstoles. Una escena grabada a fuego en la historia del cine. Tras la guerra civil española, Luis Buñuel vivía exiliado en México, pero decidió volver a España para rodar la película, provocando duras críticas de los republicanos españoles en el exilio. El film fue duramente atacado por el periódico de la Ciudad del Vaticano, provocando su prohibición en España e Italia, de hecho, no se estrenó en España hasta 1977, tras la muerte del dictador.

El ángel exterminador (1962)

Un grupo de burgueses es invitado a una cena en la mansión de los Nóbile. Al terminar la cena y pasar al salón, los invitados se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por una misteriosa e inexplicable razón. Conforme pasen los días, la cordialidad y las buenas maneras dará paso al puro instinto de supervivencia.

El ángel exterminador fue realizada en México tras el éxito internacional de Viridiana, siendo producida de nuevo por Gustavo Alatriste y contando también de nuevo en el reparto con Silvia Pinal. Buñuel quería profundizar a través del surrealismo en dos temáticas de su interés: en la degradación del comportamiento de una refinada aristocracia en una situación de catástrofe y en lo inexplicable de la propia desgracia vivida, provocando la lucha del ser humano frente a un suceso desconocido y aleatorio. Un grupo de aristócratas de la Ciudad de México es invitado a una cena en la gran mansión de los Nóbile tras asistir a un concierto de ópera. Antes de llegar a la mansión, los sirvientes y cocineros sienten el irrefrenable deseo de abandonar la casa, por lo que comienzan a marcharse. Durante la cena todo sucede con relativa normalidad, pero al pasar al salón para charlar, fumar y tomar una copa, algo extraño se avecina. La noche avanza y ninguno de los invitados se prepara para marcharse. Aunque nada se lo impida, una extraña fuerza les retiene en el salón, pero la cortesía y las buenas maneras no les permite reconocerlo. Van pasando los días, el alimento y la bebida escasea, la basura se acumula, los anfitriones cada vez tienen menos paciencia y los invitados duermen por el suelo. La etiqueta y la cordialidad darán paso a comportamientos primitivos guiados por el puro instinto. Buñuel utiliza el surrealismo, los momentos oníricos, la repetición y el sentido del humor para hacer mofa de la degradación del comportamiento humano en situaciones extremas, poniendo especial foco en una clase social que se cree superior por el mero hecho de ser privilegiada económicamente. El film resulta críptico y la cantidad de bromas privadas y recuerdos de juventud que contiene lo convierten en una obra de autor con múltiples interpretaciones que generan controversia aún hoy en día. Una crítica a la burguesía, a una clase social encerrada en si misma que pese a su aparentemente refinado comportamiento está cargada de falsas apariencias, traiciones e infidelidades. En definitiva, un nuevo retrato de la mezquindad  de la naturaleza humana con todos los elementos comunes del cine de Buñuel, quien tuvo el control creativo total en una obra que le dejó un sabor amargo por no poder contar con todos los medios que necesitaba. El propio Luis Buñuel realizó diez años después una reinterpreación de El ángel exterminador, dirigiendo y escribiendo la película francesa El discreto encanto de la burguesía.

Bella de día (1967)

Sévérine es una atractiva y apática mujer, está casada con Pierre, un cirujano de éxito. El hastío abraza su relación, y pese a que su cabeza está constantemente fantaseando, los traumas del pasado hacen que se comporte con suma frialdad. Impulsada por la curiosidad, Sévérine decide visitar una casa de citas en la que iniciará una doble vida.

Bella de día es la adaptación de la novela homónima del argentino Joseph Kessel, la cual no convenció de su potencial cinematográfico a Buñuel, quien aceptó dirigirla si conseguía total libertad para su realización. La expresión «Bella de noche» («Belle de nuit», en francés original), se utiliza para referirse a una mujer que ejerce la prostitución en un lenguaje políticamente correcto. El cambio de la noche por el día se debe a la realidad de la protagonista, quien se verá atraída por el mundo diurno de la prostitución Parisina. Sévérine, de 23 años, lleva casada un año con Pierre, un cirujano de gran reputación. Su vida sexual es inexistente debido a unos abusos sexuales sufridos en el pasado, lo que no impiden que la imaginación de Sévérine fantasee constantemente con escenas sexuales sadomasoquistas. Impulsada por la curiosidad, decide ir a visitar la casa de citas de Anaïs, donde iniciará una doble vida ejerciendo la prostitución y llevando a cabo las fantasías más extremas de sus clientes. Con una realización más formal y más ligera de elementos surrealistas, Buñuel aprovecha las huidas mentales de la protagonista para dar rienda suelta a un imaginario y unos actos que atacan a uno de los pilares de la sociedad cristiana: el matrimonio. La perfección, bondad y aceptación que muestra Pierre ante la situación de su mujer, suponen precisamente el impedimento para que su vida sexual como pareja funcione, puesto que Sévérine no puede satisfacer sus deseos más ocultos con él. La búsqueda de sentirse deseada, poseída y abusada. El placer fuera del matrimonio protagonizado por una mujer, quien además, ejercerá practicas sexuales alejadas de lo común y lo políticamente correcto. La historia avanza mostrando imágenes sobre la propia realidad, la fantasía en la mente de la protagonista como abstracción de esa realidad y la propia búsqueda del placer secreto, y el recuerdo de momentos traumáticos, mostrados en rápidos flashbacks o reflejados en la propia actuación de la protagonista. Catherine Deneuve interpreta magistralmente a Sévérine, con una actuación contenida, misteriosa y cargada de frialdad, fragilidad y sensualidad. La película obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia y causó sensación y polémica. Especialmente en torno a un misterioso objeto que un cliente asiático del burdel guarda en una pequeña caja y que indudablemente se utiliza para la practica sexual. No se muestra su interior y al abrirla surgen sonidos propios de los insectos. En su autobiografía Mi último suspiro dio la explicación del contenido de la caja: «Cualquier cosa que te puedas imaginar». Insinuar siempre fue más efectivo que mostrar.

El discreto encanto de la burguesía (1972)

Don Rafael Costa, el embajador de Miranda en Francia y el matrimonio Thévenot se presentan a cenar en la casa del matrimonio Sénechal. Un malentendido con la fecha hace que acaben en un restaurante, pero no podrán cenar porqué el dueño ha fallecido.

El discreto encanto de la burguesía es la primera película realizada por un director español que ha conseguido el premio Óscar (el de mejor película extranjera), aunque el film se realizó en Francia y no en España por culpa de la dictadura Franquista. La obra vuelve a ser un dardo envenenado para la burguesía más acomodada, obsesionada con los banquetes, con los actos protocolarios y arropada por el beneplácito del ejército y de la iglesia. Con cierto desenfado y sentido del humor, Buñuel utiliza el recurso de los sueños para profundizar en las mentes de una aristocracia cargada de superficialidad y frustraciones absurdas. Don Rafael Acosta, embajador de Miranda, el matrimonio Thévenot y el matrimonio Sénechal, son un grupo de amigos adinerados que quedan a menudo para cenar. En uno de sus encuentros, Don Rafael y el matrimonio Thévenot se presentan en casa de los Sénechal, pero una equivocación con la fecha de encuentro hace que acaben en un restaurante cercano. El ambiente en el restaurante está enrarecido, no hay más clientes y el servicio está nervioso. Al acceder a una sala continua al comedor, el grupo descubre que el dueño ha fallecido y que su cadáver está expuesto en un féretro. A partir de ese extraño suceso, sus reuniones se verán siempre interrumpidas, no dejando disfrutar al grupo de burgueses de los banquetes de comida y de su superflua conversación. Siguiendo los pasos de El ángel exterminador, en esta ocasión la aristocracia no se ve encerrada en un espacio del que no puede salir, pero si que los encuentros que tengan para comer o cenar se verán interrumpidos por eventos extraordinarios (reales o frutos de su perversa imaginación) todos relacionados con el ejército, la iglesia o por sus más profundos temores, siempre con el objetivo de mostrar sus incontables miserias. Un film estructurado en pequeñas historias con cierta conexión entre ellas y que se aleja de la estructura narrativa convencional del planteamiento, nudo y desenlace. Los protagonistas constantemente tienen encuentros fortuitos y la mayoría de situaciones que suceden son fruto del azar, incluso se mezclan con ensoñaciones (llevadas al límite cuando proponen sueños dentro de sueños, algo que muy probablemente inspiró una de las mejores películas de Nolan) y que plagan el film de digresiones e interrupciones. El reparto se vuelca plenamente en los deseos del director de Calanda quien vuelve a reflejar en la película su crítica más mordaz riéndose de una clase social pudiente que gira constantemente entorno a sus problemas y futilidades diarias, sin pensar en las realidades que les rodean.